“La música nace y muere en el mismo momento que escribes una canción”

Empecemos por lo último que hemos tenido la suerte de escuchar con tu firma, A New Day Will Be True, un espléndido single que transmite una energía y luminosidad realmente contagiosas. ¿Cómo surge este tema? ¿Qué características te hicieron decidirte a la hora de convertirlo en uno de los anticipos de tu próximo trabajo?

Creo que por la difícil situación en la cual estábamos viviendo vimos preciso lanzar este primer sencillo, el cual tenía un mensaje muy positivo, que es algo que creo que es realmente lo que todos necesitábamos. Se trata de una composición adecuada musicalmente y equilibrada hacía ese tipo de lírica terapéutica. Es una situación que se da pocas veces, casi mágico, en la que música, letra e interpretación van aunadas en un sentido único.

Hablando de ese primer larga duración que está al llegar, titulado Reel to Reel, ¿qué nos puedes anticipar de él? ¿Con qué nos vamos a encontrar?

Es un disco doble con dos versiones de sí mismo, una estereofónica y otra monofónica. Creímos que había canciones curiosamente diferentes en ambos formatos y decidimos dejar los dos, además de incluir tomas alternativas, grabaciones en directo, overdubs en directo de arreglos orquestales y rarezas varias. Un disco elaborado que deja patente una declaración de intenciones en toda regla. Un trabajo grabado en analógico y digital en el cual utilizamos patrones clásicos renovados a través de un concepto más actualizado acorde con el momento que nos ha tocado vivir.

El trabajo de elaboración de este disco ha durado casi dos años, ¿ha sido un proceso así de extenso por voluntad propia o debido a circunstancias ajenas?

Ha sido un disco muy laborioso, en el cual hemos estado trabajando desde que lo iniciamos en Berlín en octubre del pasado 2018. Se trata de un disco muy arreglado en algunas ocasiones y muy crudo en otras, con un sonido a caballo entre el analógico y el digital, tal y como fue concebido y gestado, todo ello antes de nuestro paso por los estudios Lightning Recorders, Medusa Studio BCN, Moma Music Studio (Valencia) y Push Pull (Madrid). En ellos hemos trabajado con varios ingenieros, creo que los más apropiados para este proyecto, con un gran amor por la música y buena paciencia, más allá del bien y del mal. Para Reel to Reel hemos grabado con más de 40 músicos, quienes han participado en las siguientes sesiones overdubs con sesiones infinitas en los cuales llegamos incluso en algunas canciones a las 26 tomas. Ha sido un álbum sin límite de tiempo y con un buen presupuesto económico, así que pudimos trabajar desde el inicio muy cómodamente tanto en la preproducción, grabación, grabaciones adicionales, postproducción, así como en la mezcla y el mastering.

Comentabas que las grabaciones de Reel to Reel comenzaron en Berlín, una ciudad que ha supuesto a lo largo de la historia de la música una influencia directa para multitud de ilustres artistas, especialmente en la década de los 80. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Sentiste esa energía especial del lugar?

Berlín es una ciudad fantástica con una escena artística increíble, con una clarividencia especial en la música y el estilo swing de los años 30 y 40, así como en rock and roll clásico de los años 50. Creo que ha sido la ciudad perfecta para registrar nuestro trabajo con respecto a su herencia musical. Así decidimos marcharnos a grabar y de esa manera rescatar la maravillosa impronta sonora analógica tradicional berlinense, registrando el grueso de nuestro trabajo en la ciudad donde vio eclosionar a grandes artistas de la talla de Guy Lombardo, Hans Warner Kleve, John Abriani, Tullio Mobiglia o Rudi Schuricke.

Te encargas de la producción, dirección y arreglos del disco. ¿Qué parte disfrutas más del proceso y cuál te genera más dolores de cabeza?

Sí, me encargo de todo desde el principio. Me gusta el mundo de la producción y creo que siento el tipo de arreglo que necesitan las canciones. En cualquier caso, creo que el proceso más creativo, sinceramente, es el de la composición en sí mismo, el resto me apasiona muchísimo, desde luego, pero es mucho más mecánico. También la producción y los arreglos son una parte que adoro.

Este conjunto de tareas también demuestra que te gusta tener un control casi total sobre tu trabajo, ¿no?

Claro, no dejo nada al azar, superviso meticulosamente afinaciones, figuras, armonía y patrones rítmicos antes de la grabación, mezcla e incluso mastering que, como te comentaba antes, podemos llegar a hacerlo hasta seis veces para posteriormente elegir el más apropiado. Por el momento no quiero delegar en nadie, pienso que en el momento que lo haga perderé la esencia y el conjunto de las emociones musicales. A veces es agotador, pero tenemos muy claro cuál es el camino y al lugar al que vamos. Me imagino que les pasará igual a todos los músicos. Estamos en la búsqueda de algo distinto, con sonido renovado, sin efectos, ni maquillajes, pero a la vez muy actual.

¿De qué forma ha influido, si lo ha hecho, la experiencia de tus dos anteriores trabajos Blue´s back in town y The Sun Session en el proceso de Reel to Reel?

Definitivamente de una manera muy positiva. Son trabajos concebidos en otras épocas, algunos de ellos como The Sun Session fueron sesiones realmente de ensayos registrados, tal y como se grababa a mediados de los 50, en Sun Records Studio, con primeras y segundas tomas, para bien o para mal. Creo que después de esa forma de grabar tan pragmática y rudimentaria quise de alguna manera seguir evolucionando hacia el ‘pasado-futuro’ con una producción elaboradísima y a la inversa de como lo había hecho anteriormente, una grabación más cercana a la esencia de finales de los años 50 tal y como se hacían en el Music Row de Nashville, en este caso con sexteto y montando overdubs en directo. Estoy contento con el resultado, escuchando canciones en las que, por ejemplo, aparentemente oyes a un sexteto pero en realidad hay 18 músicos, llegando incluso a 30 en algunas ocasiones. No me gustan las producciones masificadas, elegir bien las figuras y los arreglos es el secreto de que todo coja una dimensión aural, todo ello sin perder la esencia de seis tipos tocando R&R en un garaje.

En este sentido, imagino que el trabajo cien por cien analógico en el extraordinario The Sun Session supuso toda una experiencia. ¿Qué es lo que más destacarías de esa modalidad de grabación?

Creo que la espontaneidad, con todo lo que ello conlleva. The Sun Session se trabajó en el estudio, se ensayaron las canciones ahí y todo ocurrió muy rápido. Había que ir de la mano y acordes a los tiempos de lo que ocurría en cada momento. Ahora lo pienso y no doy crédito. Fue un proceso y una etapa muy intensa. Ganas un Ameripolitan Music Awards a la misma vez que grabas en Sun Studio y a colación pasas a ser un miembro del Rockabilly Hall Of Fame.  Imagínate el cúmulo de sentimientos y sensaciones que se encontraron en aquel momento..

Tanto en términos instrumentales como en interpretaciones vocales, ¿te gusta dejarte llevar o prefieres llegar al estudio con una idea lo más clara posible?

Me dejo llevar completamente, investigo y saco todo lo que creo que debo sacarle a los temas, incluso de cada canción registro en la voz dos o tres versiones con distintas frases, con melodías distintas, cadencias y ritmos. Me cuesta mucho elegir, me crea mucho estrés esa parte de escoger y, de alguna manera, tener que saber que estoy tomando la decisión acertada. Por lo general, para definir una voz tengo que experimentar, nada me vale y, cuando creo que he dado con la tecla, vuelvo a creer que ya no funciona. En mi opinión, el proceso de grabación de los discos es adictivo, hay un momento que tienes que ponerle fin. Se llega a convertir en una adicción que no quieres que llegue a su desenlace. Te mantiene de alguna forma estable mentalmente, podría incluso ser patológico en algunos casos.

¿Hasta qué punto te consideras un artesano de la canción? Es decir, ¿de qué forma te comunicas y relacionas con los temas desde el primer chispazo de inspiración hasta el resultado final?

No sé si podría llamarlo así, pero sí que intento rescatar de manera artesana y con cuidado todo lo que manejo. Cuando nace una melodía en el inicio de una canción, intento que la letra tenga que ver con la emoción y carácter del tema, incluso con el estilo de la interpretación vocal. En ese sentido, no me gusta cantar de la misma manera las canciones, modifico el carácter vocal según la cadencia estilística de cada canción respetando en todo momento el estilo de su época.

¿Cómo ha variado tu proceso de composición con el paso de los años?

Siempre compuse de la misma manera, pero nunca lo llevé a cabo todo como a día de hoy. Ahora tengo muchos más medios que en antaño,  grabo y pruebo en mi estudio en casa, de esa forma trabajas mucho más enfocado y nunca olvidas nada.

¿Eres perfeccionista? ¿Te cuesta terminar de dar el visto bueno definitivo a las canciones?

Sí, mucho, enfermizo diría yo. Me cuesta pensar que mis canciones podrían sonar mejor de lo que suenan y me mata el saber que realmente puede ser así. Me imagino que todos los músicos estamos en las mismas. Jamás doy el visto bueno. No creo que la música tenga límites, pero si no pongo el freno, se complican muchos las cosas. Y al final he tenido que entender que nada ni  nadie tiene tanta importancia como para cambiar al mundo.

En este sentido, ¿de qué forma surgieron los temas que han terminado entrando en la selección final de Reel to Reel?

Los temas seleccionados son de una criba de muchas canciones que llevo componiendo para este disco y que surgen de muchos sentimientos, a veces propios y otros escritos en tercera persona.

La gira de presentación está prevista para los meses de febrero, marzo y abril del próximo año, ¿estás pensando ya en el directo? ¿Algo que nos puedas anticipar?

Bueno, por el momento así hemos planificado la correspondiente gira por salas de todo el país. Esperemos que el tema del Coronavirus se pueda resolver lo antes posible y de alguna manera dejemos de cancelar e improvisar fechas.

Tu trabajo desprende un aroma clásico tan indudable como irresistible, pero, en términos musicales, ¿qué es para ti el clasicismo? ¿Qué es lo que más te interesa de él?

Su espíritu ancestral, sus rudimentos y sonidos, y con todo ello me gusta experimentar rescatando sonidos y mezclando épocas. Por ejemplo, me gusta pensar como habría sonado el rockabilly en 1948 o una canción pop de mediados de los 60 en la era swing de finales de los 30.

Centrando un poco la mirada en el citado rockabilly, un género musical del que claramente eres uno de los mejores y más importantes representantes en la actualidad, ¿recuerdas tu primera toma de contacto con él?

Claro, fue con un disco de grandes éxitos de Elvis Presley, el cual escuché hasta la saciedad.  De hecho, cuando lo trillé ponía contrapesas para que no saltase la aguja.

¿Qué artistas marcaron tu educación musical? 

Hay grandes músicos que marcaron muchísimo mi vida, casi todos los pioneros y clásicos. Voy a citar a los más representativos asociados a nuestro último trabajo:  Louis Prima, Fast Waller, Carl Mann, Sony Curtis, Dion, Eddie Conchran, Buddy Holly y Gerry And The Pacemakers.

Sin menospreciar, ni muchísimo menos, el panorama artístico actual, ¿qué tienen décadas musicales como los 50´s o los 60´s que es imposible encontrar en el presente?

Fue un sentimiento de renovación y una revolución social con voz propia en toda la juventud de aquellas dos décadas en Estados Unidos, viviendo de una manera casi épica cada descubrimiento. De ahí nacieron músicos con verdaderos mensajes, obras maestras y composiciones increíbles.

¿Cómo definirías la relación y conexión del público más joven con el rock and roll clásico en general y el rockabilly en particular?

Creo que es casi inexistente, pero no podemos culpar a nadie y menos cuando hablamos de Rock and Roll y pensamos principalmente en los Rolling Stones.

Para todos aquellos adolescentes a los que les gustaría introducirse por primera vez en el género, ¿qué artistas les recomendarías como anfitriones perfectos?

Siempre pienso en los pioneros del siglo pasado, de las décadas de los 20´s y 30´s, para profundizar posteriormente en los 40´s , 50´s y 60´s. Creo que recomendaría a Sammy Masters & His Rocking Rhythm o Eddie Bond. Para mí, han sido artistas transgresores e insuperables.

A lo largo de tu trayectoria, tu imagen y actitud siempre han acompañado al discurso musical que presentabas. ¿Hasta qué punto consideras estos dos aspectos importantes?

Creo que es importante, pero no más importante que legar, facilitar y hacer llegar el Rock and Roll a las nuevas generaciones, actualizando el formato musical a los nuevos tiempos. Creo que es la única forma de poder allanar al gran público y hacer que preconice nuevamente con un discurso renovado.

Teniendo en cuenta lo especial de tu obra, ¿te sientes una especie de rara avis en la escena musical actual?

No, para nada, en realidad me siento muy mimetizado en la escena musical actual. Creo que este álbum es un trabajo que camina por nuevos senderos y es capaz de sonar en muchísimos otros sitios y ambientes donde los anteriores trabajos quizás no llegaban.

Durante toda tu carrera has recorrido decenas de países y ciudades emblemáticas, pero si tuvieras que quedarte con algún lugar que te haya marcado de una forma especial en términos de inspiración, ¿cuál sería?

Nashville.  Sin duda alguna fue la ciudad perfecta alguna vez, pero siento muchísimo la atracción turística en la que se ha convertido a día de hoy.  

La cantidad de honores, galardones y reconocimientos que has recibido durante los últimos años ha sido realmente abrumadora. ¿Cómo gestionas todo ese aluvión de reconocimientos y aplausos unánimes?

Ningún premio ni reconocimiento te da ningún derecho a subestimar al gran público y creo sinceramente que hay que mostrarlo con tu puesta en escena y tus composiciones. Al final, lo demás queda relegado como una bonita anécdota.

Basándote en tu experiencia personal y profesional, ¿cuáles son las mayores lecciones que se puede sacar del éxito y el fracaso? 

Que lo principal y el único pilar firme en la vida es la familia y que la música nace y muere en el mismo momento que escribes una canción, lo demás no existe.

La última vez que charlamos me confesaste que la guitarra y la composición han sido siempre una vía de escape en tu vida. Teniendo en cuenta la situación que hemos vivido en los últimos meses, así como el panorama con el que nos encontramos actualmente, ¿estos dos elementos juegan ahora un papel todavía más importante a la hora de, por decirlo de algún modo, sobrevivir? 

Desde luego que así es. Durante toda esta situación, el hacer música se ha convertido en algo más que terapéutico. Al final, mientras tocas o grabas no piensas en el futuro.

Fotos: José Carlos Nievas.

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